IFPDA ON, 1st International Print Fair On line

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13 mayo - 13 junio

Habitualmente la IFPDA tiene lugar en el Javits Center de Nueva York, con cerca de 70 stands. Esta es la primera edición de la feria online, en respuesta a la actual crisis sanitaria.

En nuestro stand podrás ver obra de Alexandre Arrechea, José Pedro Croft, Alejandro Corujeira, Jan Hendrix, Nico Munuera, Liliana Porter y Melanie Smith.

May 13 - June 13

Originally scheduled to be held at the Javits Center in New York with 70 booths, the IFPDA has moved the fair online in response to the current health crises.

In our booth, you will see works by Alexandre Arrechea, José Pedro Croft, Alejandro Corujeira, Jan Hendrix, Nico Munuera, Liliana Porter and Melanie Smith.


Melanie Smith | Farsa y Artificio, MARCO de Monterrey - a partir del 6 de marzo

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A su llegada a México en 1989, la creadora inglesa Melanie Smith inició su búsqueda artística y ahora 30 años después una revisión de su trabajo llega al Museo de Arte Contemporáneo (Marco) a partir de marzo. La exposición Melanie Smith. Farsa y artificio tiene en Monterrey su tercera sede en el país, siendo una producción del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona, España.

En la exhibición se brindará un repaso al trabajo creativo de Smith, a través de 94 obras entre fotografía, video e instalaciones distribuidos en siete núcleos temáticos que se entrelazan. La exposición toma su título de la obra de Smith, Farsa y artificio (2006), una instalación que incorpora múltiples pinturas colocadas una frente a otra. Esta obra plantea las relaciones entre modernidad y su reclasificación.

Fuente: https://www.milenio.com/cultura/exposicion-melanie-smith-farsa-artificio-llega-monterrey

http://www.marco.org.mx

ARCO 20, Feria Internacional de Arte Contemporáneo, IFEMA, Madrid. Stand 7B08

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En esta edición de ARCO Madrid presentamos los trabajos recientes de John Baldessari, José Pedro Croft, Alejandro Corujeira, Mathias Goeritz, Anish Kapoor, Nico Munuera, Antonio Saura (obra inédita) Richard Serra y Melanie Smith.



Para la asistencia a la feria, contamos con las Ayudas del Ayuntamiento de Madrid destinadas a Galerías de Arte y Centros Expositivos.

Presentación libros: ANTONIO SAURA | "Mentira y Sueño de Franco" y "Foto-Grafía, 1962". CBA, 19 febrero 11 h.

19 de febrero, 11 h.

Círculo de Bellas Artes

El próximo día 19 de febrero, miércoles, el Círculo de Bellas Artes inaugura la exposición "Mentira y Sueño de Franco" de Antonio Saura. La rueda de prensa será a las 11h. Se presentarán los catálogos realizados tanto para la exposición del Círculo como el que hemos realizado en la galería en coproducción con la Antonio Saura Archives Foundation "Antonio Saura.Foto-Grafía, 1962" con motivo de la exposición que tenemos actualmente. El catálogo incluye textos de José Luis Pardo y Marina Saura.

 
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Foto-Grafía, 1962 de ANTONIO SAURA en La Radio tiene ojos, de RNE. Marina Saura y Ana Morente

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Con motivo de la exposición ANTONIO SAURA, Foto-Grafía que tenemos en la galería, Ana Morente entrevistó a Marina Saura en la Radio Tiene Ojos, de RNE. Con grabaciones de la voz de Antonio Saura del archivo de Radio Nacional.
Aquí teneis los audios.

http://www.rtve.es/alacarta/audios/la-radio-tiene-ojos/radio-tiene-ojos-marina-saura-chechu-alava-08-02-20/5506231/

http://www.rtve.es/alacarta/audios/la-radio-tiene-ojos/radio-tiene-ojos-antonio-saura-versus-marina-saura-09-02-20/5506740/

En el audio del domingo, podéis oir al propio Saura narrando el ataque de la extrema derecha a su Casa de Cuenca y todo lo que se perdió. La caja de diapositivas de la que parte esta exposición sobrevivió a este ataque.

ZonaMACO 2020, Centro Citibanamex, Ciudad de México. Stand E119

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5 - 9 febrero 2020

En ZonaMaco 2020 Galería La Caja Negra presenta los últimos trabajos de José Pedro Croft, Mathias Goeritz, Anish Kapoor, Lake Verea, Richard Serra y Melanie Smith.

NUEVA UBICACIÓN

Para la asistencia a la feria, contamos con las Ayudas del Ayuntamiento de Madrid destinadas a Galerías de Arte y Centros Expositivos.

José Pedro Croft, Campo / Contracampo, Fundación Cerezales Antonino y Cinia, Cerezales del Condado, León

Organizan:

FUNDACIÓN CEREZALES ANTONINO Y CINIA

CÍRULO DE ARTES PLÁSTICAS DE COIMBRA

Coordinación:

GALERÍA LA CAJA NEGRA

Colaboración:

GALERÍA VERA CORTÊS

Producción y Montaje:

ART WORKS

Diseño Gráfico:

ATELIER PEDRO FALCÃO

1 diciembre 2019 - 15 marzo 2020

Inauguración: 1 diciembre, 12 h.

José Pedro Croft (Oporto, 1957), uno de los principales representantes de la renovación de la escultura en Portugal, presenta en la Fundación Cerezales Antonino y Cinia [FCAYC] una intervención escultórica de gran formato que trata  las relaciones entre la forma y el espacio. En línea con sus trabajos anteriores, que desarrollan algunas cuestiones del minimalismo y del arte conceptual, la intervención se sitúa en la intersección que conforman la arquitectura y el propio cuerpo en relación a ésta.

La particular arquitectura de la FCAYC, en la que lo construido se integra con el paisaje prácticamente sin sobresaltos, le sirve a José Pedro Croft para mostrar la manera en que el arte en general, y en concreto su práctica escultórica, se presenta como una especie de territorio intermedio. En ese campo el tiempo y el espacio se miden de otra manera: la instalación escultórica genera una serie de pasadizos que según se recorren alteran las relaciones convencionales entre arquitectura, paisaje y cuerpo. En ese tránsito se pierden las referencias entre el adentro y el afuera, se sale de un entorno solo para entrar en otro en una especie de arquitectura dentro de la arquitectura. Los limites se desdibujan y reconfiguran a cada paso.

Los campos de color generados por las enormes planchas metálicas que conforman la instalación son a su vez producto del artificio: paletas cromáticas inspiradas en esculturas y pinturas tardo-renacentistas muy alejadas de cualquier idea de color “natural”.  Es un color idealizado que además cambia en cada lado de cada plancha. La propuesta de Croft busca la fluidez y la expansión de la energía que generan tanto las estructuras constructivas como estos campos de color hiper-saturados.

Esta sensación de transitoriedad, de algo que está todo el tiempo en el proceso de hacerse, es una de las características definitorias del trabajo de José Pedro Croft. En el proyecto para la FCAYC esto es llevado al extremo al tratarse de una especie de “escultura para armar” que cambiará su configuración cuando se presente posteriormente en el Convento de Santa Cruz en Coimbra, un entorno renacentista muy alejado del contexto de arquitectura contemporánea que presenta la FCAYC.

En Campo/Contracampo José Pedro Croft nos ofrece una muestra contundente de su proceso de trabajo: la activación del espacio surge sólo cuando, después de conceptualizar lo que sucede ahí -y lo que le sucede al sujeto en el espacio- el artista empieza a sumar elementos para poner en conflicto y cuestionar esa relación. En palabras de Aurora García,  a Croft “le interesan los aspectos generativos del arte, lo que una forma y una materia dada es capaz de originar, no como objeto ensimismado que sólo admite la confirmación aislada de su estatus, sino como algo relacionado con la complejidad del mundo y de la existencia”.

Issa M. Benítez

Jan Hendrix: Tierra Firme, Bonnefantenmuseum, Maastricht

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26 noviembre 2019 - 26 abril 2020

<<ENGLISH BELOW>>

Tierra Firme ofrece una visión general de la trayectoria de Jan Hendrix (Maasbree, 1949), un artista que se ha encargado, desde su llegada a México en la década de 1970, convertir el arte gráfico en un medio contemporáneo.

'Lo natural' gráficamente en papel

En sus colaboraciones con escritores y en sus series más analíticas, Hendrix investiga las implicaciones conceptuales de traducir la imagen de lo "natural" gráficamente en papel. Un elemento de esta reflexión radica en el impulso de superar la escala del gabinete del naturalista para transportar el arte gráfico a una escala ambiental que incluso funciona como un nivel arquitectónico. El título de esta primera exposición panorámica y itinerante de la obra de Hendrix alude al avistamiento de la costa, que sirve como un referente mítico tanto para el colonialismo como para la revisión de la historia natural.

Reflexión

Al releer la historia natural de los artistas exploradores y la narrativa del paisaje que acompañó a la colonización europea, su trabajo reflexiona sobre el papel desempeñado por el grabado y el dibujo en el imaginario de la primera fase de la globalización.

Desde sus años como estudiante en la Academia Jan van Eyck, Jan Hendrix se ha sentido atraído por el imaginario del explorador que encontró en grabados, álbumes de fotos y documentales. Su experiencia como inmigrante también ha influido en su preocupación por el arte gráfico y la forma en que ha contribuido a dar forma al mundo, tanto para los antiguos colonizadores como para los colonizados.

Ger Koopmans, diputado de Cultura de la Provincia de Limburgo, abre la exposición el 24 de noviembre en el Bonnefantenmuseum. Este resumen del trabajo de Jan Hendrix, organizado por el MUAC en México y el Bonnefantenmuseum en Maastricht, se exhibe en el Bonnefanten desde el 26 de noviembre de 2019 hasta el 26 de abril de 2020.

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Tierra Firme offers an overview of the trajectory of Jan Hendrix (Maasbree, 1949), an artist who has tasked himself, since his arrival to Mexico in the 1970s, with turning graphic art into a contemporary medium.

'The natural' graphically onto paper

In his collaborations with writers and in his most analytic series, Hendrix investigates the conceptual implications of translating the image of 'the natural' graphically onto paper. An element of this reflection lies in the impulse to exceed the scale of the naturalist's cabinet in order to transport graphic art to an environmental scale that even operates as an architectural level. The title of this first panoramic and traveling exhibition of Hendrix's work alludes to the sighting of the coastline, which serves as a mythical referent both to colonialism and to the revision of natural history.

Reflection

By re-reading the natural history of artist-explorers and the narrative of the landscape that accompanied European colonization, his work reflects on the role played by engraving and drawing in the imaginary of the first phase of globalization.
Ever since his years as a student at the Jan van Eyck Academie, Jan Hendrix has been drawn to the imaginary of the explorer he found in engravings, photo albums and documentaries. His experience as an immigrant has also influenced his concern with graphic art and the way in which it has contributed to giving shape to the world, for former colonizers and colonized alike.

Ger Koopmans, deputy for Culture of the Province of Limburg, opens the exhibition on November 24th in the Bonnefantenmuseum. This overview of the work of Jan Hendrix, organized by the MUAC in Mexico and the Bonnefantenmuseum in Maastricht, is on view in the Bonnefanten from November 26, 2019 until April 26, 2020.

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Presentación de la Publicación I.V.M. Oficina de Gestión. Isidoro Valcárcel Medina.

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Juaves 24 de octubre · 19:30 h.

Editado por Entreascuas.
En el acto intervendrán autor y editor.

En 1994 Isidoro Valcárcel Medina convirtió durante un mes la madrileña Galería Fúcares en una Oficina de Gestión de Ideas. En el folleto Informativo de la Oficina se leía: "I.V.M. Oficina de Gestión. Proyectos – Propuestas – Promociones – Programas y Prospecciones.
A partir del día 26 de febrero de 1.994, I.V.M. asume, en su oficina de Madrid, Conde de Xiquena, 12-19, la función de atención al público en el sentido de desarrollar un trabajo eficiente de gestión de ideas. Cualquiera que sea su plan o su propósito, I.V.M. le ayudará en la estructuración, elaboración, análisis, planificación y cumplimentación, en general, de su proyecto, siempre que el mismo entre dentro del campo de esta Oficina de Gestión, el cual campo, precisa decirlo, es amplísimo.»

Este libro reúne el resultado del trabajo de la Oficina, en particular los 107 proyectos que fueron admitidos y contestados.

Editado en colaboración con el CA2M, Centro de Arte Dos de Mayo.

NONI LAZAGA, Calikanjigramas. Instituto Cervantes de Tokio

24 de Octubre - 15 de Noviembre de 2019

Inauguración: Jueves 24 de octubre a las 19:00h

Tras la presentación de la exposición Calikanjigramas en la Galería La Caja Negra en Madrid, en Mayo de 2019, la muestra de 21 dibujos se presenta en el Instituto Cervantes de Tokio. En 2017 Noni Lazaga conoce los haikus del poeta japonés Ozaki Hoosai de la mano de su traductora Teresa Herrero. A partir de ese momento Lazaga idea e inventa una conversación visual con el poeta y rescata sus conocimientos de japonés creando por primera vez lo que llamará calikanjigramas (caligramas de kanji). Estos dibujos a tinta sobre papel honminoshi, que se exponen en Tokio son los originales de los aparecidos en la antología del poeta “muevo mi sombra” publicada por Hiperión en 2018. […]

Nota de prensa

NICO MUNUERA | Paisajes del límite. José Guerrero, Nico Munuera con Díaz Caneja de fondo. Patio Herreriano, Museo de Arte Contemporáneo, Valladolid

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12 octubre 2019 - 2 febrero 2020

[English version below]

Límite. Del límite. Paisajes del límite. Abrir el campo, de lo particular a lo general, y comprobar que un límite no es tal sin campos, realidades o magnitudes a uno y otro lado. En el ámbito del paisaje es el horizonte el que tradicionalmente ha encarnado el concepto de límite, separando el cielo de la tierra, lo tangible de lo etéreo. En la obra del fotógrafo José Guerrero y del pintor Nico Munuera, los dos artistas que dan forma a este proyecto, el horizonte se configura como elemento estructural pero los dos lo perciben desde prismas diversos. Si en Guerrero (Granada, 1979) el horizonte es firme y nítido, en Munuera, (Lorca, Murcia, 1974) éste no es sino una línea veleidosa y dúctil, si es que alguno alcanza la categoría de línea o si podemos todavía llamarlo horizonte. Desde sus respectivos lenguajes, los dos abordan la construcción del paisaje y cuanto de liminal abunda en ellos, y observamos un interés común por trascender los límites físicos de la obra. Hay, por tanto, en nuestro recorrido por sus respectivos ámbitos, una sucesión de horizontes y una reiterada suma de lindes y fronteras, ya sea en el marco preciso de cada imagen individual o en el conjunto que se despliega en el espacio.

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We need to zoom out, from the specific and out onto the general, in order to understand that a limit is not such thing without a field, a reality or a magnitude on either side of it. In the field of landscape, horizon is the element that most usually epitomises the limit. It separates the earth and the sky, the tangible and the ethereal. Horizons structures the work of the two artists on show here, but the limit it conveys is perceived from diffferent perspectives. For photographer José Guerrero (Granada, 1979) horizon is firm and precise, whereas for painter Nico Munuera (Lorca, Murcia, 1974) it is a capricious and ductile line, should we allow ourselves to perceive it as a line or even call it “horizon”. From their respective mediums, both artists approach the construction of landscape and their posible limits while simultaneusly examining the possibility of trascending their edge and step out onto the exhibition space. A reiteration of borders and frontiers thus appear in both rooms, be them within each individual work and in the wider context of the exhibition space.

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Lake Verea. Uno a uno. Museo del Palacio de Bellas Artes, Ciudad de México.

19 septiembre - 13 noviembre 2019

Inauguración: 18 de septiembre | 19.30 h.

La exposición Uno a uno/Bellas Artes. Lake Verea es una lectura íntima del Palacio a partir de la descontextualización de los detalles arquitectónicos, esculturales, decorativos y su reproducción a escala real, uno a uno, dentro de la sala de exhibición del museo. La ocupación de la sala será abordada por las autoras Lake Verea como una interpretación de la arquitectura a partir del énfasis en el detalle y de la recomposición de estos elementos para entablar una lectura personal, cuya confrontación física, conduce a centrar la atención en los elementos para dejarlos brillar por sí mismos. La exposición contará con aproximadamente 22 obras nuevas, inéditas, creadas exprofeso para esta muestra: fotografías en distintas técnicas de impresión y formatos, así como esculturas y relieves en aluminio. La muestra se presentará como parte de los festejos del 85 aniversario del Palacio de Bellas Artes.

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BOLETÍN Nº 4. Coleccionando obra gráfica. Edición especial: 1998-2018. 20 años de edición. Septiembre 2019

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Desde la inauguración de la galería, en  septiembre de 1998, hemos realizado ediciones de obras gráfica con más de 40 artistas. Para conmemorar este aniversario hemos preparado una exposición en la galería en los meses de septiembre y octubre de 2019 y editamos este boletín especial con el conjunto de estas ediciones.

Dentro del trabajo galerístico, la edición de series de grabados supone una participación total entre el artista y el editor en el proyecto, en las decisiones sobre técnicas, tiraje, formato y características de la edición, además de la implicación económica necesaria para la financiación de la edición. En todas nuestras ediciones hemos buscado los medios técnicos mas apropiados para cada proyecto. Nunca hemos querido tener un taller propio de estampación, sino que para cada edición hemos elegido el que mejores condiciones ofrecía para la calidad de la obra. Para cada proyecto se busca la técnica mas adecuada (grabado, litografía, serigrafía,…) teniendo en cuenta la capacidad expresiva de cada técnica en relación con el trabajo del artista.

Una edición es el fruto del trabajo conceptual del artista, tiene un soporte de pensamiento que la estructura, y precisa de la colaboración de otros agentes: el editor, el taller que realiza los procesos de estampación y la galería que la presenta y exhibe. Los conocimientos de todos ellos se reunen para lograr una obra de arte original, múltiple e irrepetible.

Hay que recordar que fueron precisamente editores de gráfica (Vollard, Kahnweiler) los precursores del oficio de galerista, debido al compromiso que experimentaron como editores de series de obra gráfica. De hecho la edición contemporánea constituyó un cambio revolucionario en el mundo artístico y permitió ampliar el acceso al arte a  nuevas y amplias capas de población.

Para cualquier consulta o asesoramiento contactar con Rubén Blanco Hervés en ruben@lacajanegra.com

JOSÉ PEDRO CROFT, Ianuae, Proyecto Paralelo, Ciudad de México

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José Pedro Croft, uno de los principales representantes de la renovación de la escultura en Portugal, presenta en  Proyecto Paralelo un conjunto de esculturas y dibujos que prosiguen su investigación sobre la relación entre la forma y el espacio. En línea con las investigaciones sobre la escultura expandida derivadas del minimalismo y el arte conceptual, todo su trabajo se establece desde el punto de vista de lo transitorio, lo inestable y lo que está todo el tiempo en transformación. 

 Jose Pedro Croft, one of the main figures in the renewal of sculptural practice in Portugal since the nineties, presents a series of sculptures and drawings that carry on his research on the relations between form and space. In line with the theories of “expanded sculpture” that stem from Minimalism and Conceptual Art, all his work is positioned from the standpoint of the transient, the unstable and of continuous transformation.

https://proyectoparalelo.art/